La Cire Moderne

La Cire Moderne

La cire moderne

La cire moderne – © Casterman

Une road-bd, au dessin épuré, au scénario mêlant habilement portrait d’un trio de jeunes et quête presque mystique… Un livre amusant, intelligent, sans manichéisme mais avec une bonne dose d’humour parfois iconoclaste !…

Ils sont trois… Manu et Sam, sa copine, et Jordan, le frère pas très futé de Sam. Trois à vouloir profiter ensemble d’un héritage que fait Manu : des cierges d’église. Commence ainsi pour eux un périple au pays de la foi chrétienne !

Leur but : revendre ce stock de cierges, hérité d’un oncle curé que Manu connaissait à peine. Les revendre, se faire de l’argent, pour se payer du bon temps, simplement, en vacances.

Seulement, les choses ne vont pas se dérouler de la manière la plus attendue ! Il faut dire que les trois compères sont bien typés. Un joint par-ci, une petite partie de jambes en l’air par-là, de la drague à tout va pour Jordan, et peu d’envie de penser au lendemain.

Et pourtant, la religion va faire irruption dans ce trio, par petites touches qui, utilisant les codes de la comédie pure, va déboucher lentement sur une réflexion personnelle pour Manu, personnelle et intime, personnelle et mystique.

La religion catholique n’est pas un thème très fréquent dans le monde de la bande dessinée. Et quand il est abordé, force est de reconnaître que c’est de manière négative le plus souvent. Ici, la vision que nous donnent Vincent Cuvellier et Max De Radiguès de l’Eglise catholique est fractionnée, multiple. Souriante, toujours, même pour nous montrer des  » marchands du temple  » plus vénaux encore que notre trio. Mais il n’y a pas de faux fuyant dans leur façon de nous faire voyager, avec eux, de paroisse en monastère, de Lourdes en couvent. Et les portraits qu’ils nous montrent, qu’ils soient ceux des trois personnages principaux ou ceux des différents membres de l’Église qu’ils rencontrent, sont, au-delà de la simple caricature, frappés aussi de réalisme…

 la cire moderne la cire moderne – © casterman

Vincent Cuvellier, le scénariste, est croyant. Max De Radiguès ne l’est pas. Le résultat, c’est un album qui ne se prend pas au sérieux et qui, finalement, prône la tolérance. Mais sans être pour autant un pensum, heureusement ! Le scénario est linéaire, simple, il suit les pérégrinations des personnages, il caricature certaines situations, mais il réussit aussi à nous faire partager la quête de Manu, une quête qui le conduit à se poser des questions sur lui, sur sa manière d’appréhender l’amour, même et surtout celui que l’on dit charnel, sur sa place, aussi, dans le vacarme du monde. C’est de silence qu’il a besoin, en quelque sorte, pour se retrouver, ou se trouver, et ce silence, c’est dans la foi qu’il le trouve… ou croit pouvoir le trouver, en tout cas !

Pour mettre en scène ce scénario assez limpide et qui ne se prend jamais au sérieux, il fallait un dessin qui lui ressemble : épuré, parfois simpliste, parfois d’une certaine maladresse, pauvre le plus souvent en décors, mais riche en mouvements et en expressions, le graphisme de Max De Radiguès est exactement ce qu’il fallait pour que cet album ne ressemble pas à cette masse de livres d’artistes  » bobos  » qui ne font, en définitive, que se regarder le nombril.

Max De Radiguès: scénario et graphisme

Vincent Cuvellier: la foi

Cette  » Cire moderne  » est une tranche de vie. Une tranche de plusieurs vies, en fait, de trois vies qui, de confondues qu’elles sont au début, se révèlent, grâce aux talents mêlés des deux auteurs, très différentes les unes des autres. Et ce n’est pas là la moindre des qualités de ce livre, que de parvenir à dépasser la seule trame narrative pour nous faire, véritablement, et avec une vraie finesse de ton, avec une vraie tendresse également, le portrait de trois jeunes très symboliques, finalement, de ce qu’est la jeunesse : multiforme toujours !

Et cette tendresse est totalement flagrante en ce qui concerne l’hurluberlu du trio, le fameux Jordan, profondément irritant, mais tout aussi profondément attachant.

Vincent Cuvellier et Max Radiguès: ler personnage de Jordan

 

 » La Cire Moderne  » m’a fait penser, de par son ton, aux albums de Lauzier dans les années 70, mais avec un souci premier de simplicité et, surtout, de  » non-jugement « .

C’est, en tout cas, pour moi, une très bonne surprise ! Une surprise aux nombreux clins d’œil graphiques, d’ailleurs, qui en rendent la lecture encore plus amusante et amusée !

 

Jacques Schraûwen

La Cire Moderne (Dessin : Max De Radiguès – scénario : Vincent Cuvellier – éditeur : Casterman)

Le Règne : 1. La Saison des Démons

Le Règne : 1. La Saison des Démons

Fable écologique, série d’aventures fantastiques animalières, ce Règne s’ouvre par un premier volume au rythme soutenu, aux personnages attachants.

Cette bd post-apocalyptique nous emmène dans un monde –le nôtre- où l’homme semble avoir disparu. Le monde animal, par contre, s’est humanisé, totalement : vêtements, station debout, langage, cultures différentes d’un clan à l’autre, et, surtout, violences et luttes incessantes, à l’image des modèles que, pourtant, tous refusent !

C’est que l’homme, certes disparu, reste omniprésent dans ce monde où les auteurs nous emmènent à leur suite, un univers dans lequel se vit un grand exode.

Parce que l’héritage premier de l’humain, c’est un climat qui n’est, à certains moments de l’année, que folie meurtrière. Et ce sont ces déversements naturels de folie que chacun veut fuir, en se rendant dans un lieu, le Shrine, où, sous la protection d’une religion dont on ne sait rien sinon qu’elle est servie par de redoutables moines guerriers, on peut être à l’abri des fléaux climatiques qui approchent, enflent, hurlent déjà le long des traces des fuyards.

Le scénario de Sylvain Runberg crée un environnement qui est celui des ruines de notre civilisation. Et le dessin de Boiscommun réussit à faire de ce décor un élément moteur du récit, puisqu’on y aperçoit, ici et là, les vestiges de ce qui nous est connu, voitures désossées, reliefs d’habitats humains… Et la manière dont Olivier Boiscommun humanise les personnages nombreux de ce premier volume d’une série pleine de promesses, cette façon qu’il a de construire une bande dessinée animalière est d’une vraie et belle originalité.

Sylvain Runberg: un scénario animalier

Olivier Boiscommun: dessiner les animaux…

 

Le Règne, c’est celui de ce dieu vers lequel se dirigent tous les personnages de ce livre. Des personnages parmi lesquels se trouvent ceux dont on devine qu’ils vont être le pivot des albums à venir, trois mercenaires… Trois êtres qui ont gardé de l’ancienne humanité des valeurs de courage, de fidélité, d’honneur, ce qui fait d’eux de redoutables guerriers.

Le règne, c’est aussi celui d’une nature qui continue à se venger de toute vie qui le perturbe, un peu comme si la planète Terre s’était révélée être une entité vivante, elle aussi.

Le règne, c’est la nécessité qu’ont ces non-hommes de cultiver des lois et des règles qui ne peuvent que les contraindre à de nouveaux esclavages.

Le règne, c’est un scénario qui, d’évidence, est une fable, une fable peine d’aventure, une fable dont la morale est simple : que faisons-nous, aujourd’hui, toutes et tous, pour éviter le total chaos à venir ? Une fable, oui, mais qui laisse la place, essentiellement, à l’action, puisque ce n’est que d’elle, finalement, que peut venir la réflexion.

Le règne, c’est aussi un dessin animalier particulièrement réussi. Tant dans l’expression des mille et un personnages que dans le travail du décor, tant dans le sens du mouvement que dans celui de la construction d’une planche.

L’histoire qui nous est racontée est sombre… Le dessin, par contre, a choisi de ne pas l’être, pratiquement à aucun moment. La couleur est  » ronde « , elle joue sur la profondeur et la transparence, elle est feutrée, adoucissant en quelque sorte le poids des combats et des peurs, la présence des larmes et l’absence d’humanisme.

Sylvain Runberg: une fable

Olivier Boiscommun: le dessin et la couleur

Ce qui est étonnant dans cet album, et ce qui en fait peut-être une des qualités essentielles, c’est que son sujet nous est proche. Et que le fait de nous montrer une planète de laquelle l’homme semble avoir totalement disparu n’empêche nullement sa présence… Invisible, oui, mais pesante… Les tempêtes qui approchent, les éléments qui vont, on le sait, se déchaîner, tout cela, c’est et cela reste l’Homme, majuscule, profondément haï…

Une autre présence, continuelle, dans cet album, et qui le rend proche de tout un chacun, c’est la mort… Elle rythme incessamment le récit qui nous est offert, elle frappe à tort, à travers, avec soin, avec brutalité, avec horreur, avec nécessité. Elle est sans doute l’héritage le plus évident d’une pseudo-humanité disparue !

Sylvain Runberg: l’homme, la mort, l’humanisme

 

Sylvain Runberg est un scénariste qui parvient à aborder bien des thèmes différents, avec une vraie propension à user du fantastique. Il le fait à merveille, soutenu par Olivier Boiscommun dont on oublie, ici, le réalisme puissant du dessin qu’il utilisait par exemple dans  » Meutes  » pour lui découvrir un graphisme tout en finesse qui, cependant, n’estompe rien de l’horreur qu’il nous raconte !

Un livre passionnant, dont on ne peut qu’attendre, d’ores et déjà, la suite !…

 

Jacques Schraûwen

Le Règne : La Saisons des Démons (dessin : Olivier Boiscommun – scénario : Sylvain Runberg – éditeur : Le Lombard)

Groenland Vertigo

Groenland Vertigo

Une aventure à la  » Hergé « , des personnages hauts en couleur, un album attachant !…

Un jeune dessinateur de bande dessinée a la chance de pouvoir participer à une expédition au Groenland, en compagnie de scientifiques et d’artistes. Malgré ses angoisses et son côté timoré (à l’opposé du modèle graphique dont il s’inspire, à savoir Tintin…), il accepte le défi. Commence alors pour lui une aventure faite, certes, de péripéties de toutes sortes, mais aussi de réalités simplement quotidiennes.

Cet album est multiple, à sa manière. Bien entendu, il y a un hommage appuyé à la Ligne Claire d’Hergé, tant dans le scénario que dans le texte et, surtout, dans la façon d’user de regards et des expressions des différents personnages. C’est aussi une espèce de journal intime qui décrit un lieu de froid et de beauté, aux confins du monde, une sorte de récit de voyage. Et puis, c’est un livre d’humour et d’aventure, au sens large du terme, avec des codes qui, comme des clins d’œil, dépassent le simple récit pour lorgner avec une insistance amusée et amusante vers différents albums de Tintin.

Et, comme chez Hergé, ce sont, finalement, les personnages, dans leurs différence et leur multiplicité, qui sont importants, même si, pour la plupart d’entre eux, on les découvre à un moment précis de leur histoire personnelle, et qu’on ne sait, lecteurs, rien de leur passé ou de leurs attentes. Là aussi, dans cette manière d’approcher la vérité humaine des protagonistes de son livre, Tanquerelle agit comme membre d’une expédition dont il ne connaît pas les autres membres, et c’est donc à travers son regard que tous les personnages prennent vie.

Tanquerelle: trois livres en un…

Tanquerelle: les personnages

En une époque où le réchauffement climatique occupe les unes de tous les journaux, on aurait pu penser que le thème premier de cet album, un voyage scientifique et artistique au Groenland où fondent les glaces, aurait  provoqué un livre fait de réflexions profondes et écologiques. Ces réflexions existent, évidemment, mais en arrière-plan essentiellement. En trame narrative, aussi, puisque cette expédition doit permettre à un artiste universellement connu de faire une  » installation  » sur un iceberg, un œuvre qui devrait faire réfléchir l’humain sur sa responsabilité à l’égard d’une planète qui semble de plus en plus le refuser !

Mais l’important réside ailleurs, avec Tanquerelle, dans le plaisir qu’il a à construire une histoire qui, sans se prendre au sérieux, amène quand même quelques réflexions. Celle de la place de l’art, par exemple, dans le monde qui est le nôtre, celle d’une certaine forme d’art qui s’est coupée, par intellectualisme, de l’homme, qui se devrait pourtant d’être son spectateur, celle de l’ego démesuré de ceux qui se croient investis d’une mission !

Tanquerelle: l’écologie

Tanquerelle: l’art…

 » Groenland Vertigo « , c’est un livre léger qui lorgne du côté de la ligne claire sans vraiment en appliquer les règles, et j’en veux pour preuve l’excellent travail de colorisation d’Isabelle Merlet. C’est un livre sympa, à tous les niveaux, qui ne manque ni de rythme ni de gags qui créent des ambiances légères et souriantes.

Les clins d’œil et les références y sont nombreux, certes, mais totalement assumés par Tanquerelle, un auteur qui revendique, une lueur dans le regard, sa filiation avec les anciens de la bande dessinée et leur capacité à inventer et à étonner !…

 

Jacques Schraûwen

Groenland Vertigo (auteur : Hervé Tanquerelle – couleurs : Isabelle Merlet – éditeur : Casterman)

Motorcity

Motorcity

Berthet continue à éblouir par sa noirceur dans la collection  » Ligne Noire  » de chez Dargaud… Ecoutez-le, dans cette chronique, et suivez-le dans des paysages suédois lumineux…

La collection  » Ligne Noire « , c’est, d’évidence, une collection de livres consacrés à la part sombre de l’individu confronté au monde ou à lui-même… ou aux deux, en même temps !

Maître d’œuvre de cette collection, de cette série, Philippe Berthet. Un auteur dont on connaît le plaisir qu’il a à se plonger dans l’ambiance américaine des années 50, à laisser son dessin s’enfouir dans le roman noir le plus épais.

Ici, ce n’est pas vraiment le cas, même si l’entrée dans ce livre se fait au travers d’une mode vivace en Suède,  » le raggare « , cette culture alternative qui consiste à se passionner pour les signes extérieurs de l’existence américaine des années 50, les voitures et la musique.

Mais l’important n’est pas là dans le scénario de Sylvain Runberg que Philippe Berthet met en scène.

Nous nous trouvons, cette fois, dans une vraie intrigue policière, à la britannique, avec des fausses pistes, et vécue dans un environnement auquel Berthet n’était pas habitué. La Suède, un commissariat, des flics en uniforme comme personnages principaux, la disparition d’un jeune homme, et l’enquête qui s’ensuit, voilà la trame narrative de cet album.

Un scénario dans lequel les personnages ont tous, même les  » secondaires « , une vérité, une présence solide, tant au niveau du scénario que du dessin. Un scénario qui met en évidence également la Suède, un pays que Sylvain Runberg connaît extraordinairement bien. Ces deux axes de son scénario réussissent, ici, à renouveler la manière dont Berthet raconte une histoire, et la réussite est au rendez-vous !

Philippe Berthet nous parle de Sylvain Runberg

Philippe Berthet: les personnages

La présence de Sylvain Runberg aux commandes du scénario amène le dessinateur, Philippe Berthet, à affiner, en quelque sorte, son classicisme naturel. A abandonner, entre autres, les décors dans lesquels il se sentait comme chez lui, pour en découvrir d’autres, ceux des grands espaces lumineux de la Suède, ceux de certains intérieurs où faire vivre ses personnages. Et il le fait avec un sens de l’observation graphique qui me semble, dans cet album-ci, plus présent et plus puissant encore que dans ses livres précédents.

Le décor, ici, très peu urbain, occupe vraiment une place essentielle. Et les couleurs de Dominique David, complice depuis bien longtemps de Berthet, sont différentes, elles aussi, de ce qu’elles sont d’habitude. Je dirais qu’il y a une sorte de sérénité dans la plupart des planches, tout en gardant un côté plus sombre, plus envoûtant, dans les vignettes qui s’enfoncent, elles, dans l’horreur de l’enquête policière.

Le total nous offre un livre qui, pour classique qu’il puisse avoir l’air d’être, n’en est pas moins assez neuf dans la carrière et l’œuvre de Berthet. Un livre qui est la promesse que nous fait cet auteur important de la bd de nous étonner, encore, et encore !

Philippe Berthet: le classicisme

Philippe Berthet: le décor et les couleurs

J’ai toujours aimé le travail de Philippe Berthet, pour l’ambiance qu’il réussit, avec un dessin sans fioritures, à créer de bout en bout de ses livres.

Ce qu’il réalise dans cette collection  » Ligne Noire  » est fait de variété, par la multiplicité des scénaristes, par le plaisir qu’il prend, aussi, à accepter de changer ses axes de narration.

Un livre donc, vous l’aurez compris, qui aura sa place dans votre bibliothèque !…

 

Jacques Schraûwen

Motorcity (dessin : Philippe Berthet – scénario : Sylvain Runberg – couleurs : Dominique David – éditeur : Dargaud)

Les Aventures de Spirou : Le Maître des Hosties Noires (Spirou Au Kongo Belche)

Les Aventures de Spirou : Le Maître des Hosties Noires (Spirou Au Kongo Belche)

Un album somptueux du mythique groom s’aventurant dans l’ancienne colonie belge, et, en parallèle, une exposition à Bruxelles jusqu’au 29 janvier : une double actualité à ne rater sous aucun prétexte !

Plusieurs couvertures pour un même album… Dont une qui, directement inspirée par Hergé, s’ouvre sur une traduction en bruxellois des péripéties vécues par Spirou, en 1947, dans les profondeurs d’un Congo colonial !

Il est de bon ton, depuis quelques années, lorsqu’on aborde l’époque colonialiste, de se croire obligé de porter un jugement péremptoire sur l’attitude du colonisateur vis-à-vis du colonisé. Et même si, bien évidemment, tout ce qui touche, de près ou de loin, à l’asservissement de l’homme par l‘homme ne peut qu’être inacceptable, il est tout aussi évident que l’honnêteté intellectuelle impose aussi de se replacer dans une perspective historique réelle.

Et c’est bien le cas, ici, dans cet album qui voit Spirou, Fantasio, Spip, et la Femme Léopard s’enfoncer dans la brousse congolaise.

Pas de jugement a posteriori, non, mais, par contre, une restitution extrêmement fidèle de ce qu’était le Congo Belge en ces années de juste après-guerre !

J’en veux pour témoins, par exemple, que les auteurs nous y parlent de Kinshasa comme étant un quartier de Léopoldville, rien de plus à l’époque, ou qu’ils nous parlent également de la langue véhiculaire du Katanga, le kiswahili, et pas le terme erroné utilisé depuis les années 80, Swahili, ou encore la manière dont les Congolais appelaient les missionnaires, les pères blancs : bwana monpé…

Ce respect pourrait n’être que nostalgique, mais il n’en est rien. Yann est un scénariste qui, toujours, même au travers de scénarios extrêmement datés dans l’Histoire, éprouve le besoin d’y placer des ponts avec le monde d’aujourd’hui, et c’est bien le cas ici.

Et le propos aurait pu déboucher, dans cette aventure, sur l’horreur, puisqu’on y parle de vrais méchants, d’anciens nazis, par exemple ! Mais là aussi, Yann a à cœur de ne pas trahir le personnage de Spirou, qui se doit d’être porteur d’aventure et, surtout, d’humour ! Ce qui ne l’empêche pas, malgré tout, de faire quelques réflexions d’abord et avant tout humanistes.

Yann: se replonger dans l’époque8…

Olivier Schwartz: les rapports avec le monde d’aujourd’hui

Yann: l’humour

L’histoire racontée par les deux compères, Olivier Schwartz et Yann, met en scène des tas de personnages à la fois caricaturaux et pleins de références, qu’elles soient historiques, littéraires ou cinématographiques.

Il y a un  » chef  » qui est un mélange caricatural entre Lumumba, Tshombé et Mobutu. Il y a des anciens nazis recyclés dans la construction d‘une arme redoutable. Il y a un missionnaire blanc tout en rondeurs assumées. Il y a des sorciers africains, des combats, des crocodiles, des lions, des éléphants, des tribus sauvages, des coutumes ancestrales refusées par une Congolaise de Belgique.

Il y a des méchants qui ne le sont pas vraiment, finalement, sauf ceux qu’on ne voit pas et qui étaient les tortionnaires des camps de concentration, des tortionnaires qu’on mentionne à peine en fin d’album.

En fait, ce qui caractérise cet album, c’est qu’il est passionnant de bout en bout. Passionnant, dans le sens complet du terme ! Empli de passion, une passion qu’ont les deux auteurs vis-à-vis de leur histoire, vis-à-vis du personnage dont ils sont  » locataires « , vis-à-vis de leur collaboration plus que complice.

Une passion qui se devine de page en page, au travers de l’osmose entre textes et dessin, entre décors et mise en évidence de certains dialogues par l’absence, justement, de décors.

Une passion amusée, aussi, dans la construction narrative de cet album. Il y a l’histoire principale, bien entendu. Il y a aussi celle qu’on devine entre Spirou et une jeune femme. Il y a enfin une autre aventure qu’on peut lire en lisant uniquement les bas de cases : les amours de Spip, ses réflexions, un peu à la manière, de la coccinelle qui était chère à Gotlib. Et là également, on sent que les deux auteurs s’en sont donné à cœur joie !

Yann et Schwartz: la passion

Yann et schwartz: les textes, Spip…

 

Yann est un scénariste qui a toujours (ou presque !…) réussi à m’enthousiasmer, quel que soit le sujet qu’il décide d’aborder.

Olivier Schwartz, lui, appartient, sans aucun doute possible, à une famille de dessinateurs soucieux de  » raconter  » en dessins des histoires souriantes, fouillées. Je dirais que son style mêle ceux de Jijé (le personnage de Youma, par exemple), de Franquin (la profusion des détails…), et la folie iconoclaste de Chaland. Sans oublier Hergé qui, au passage, semble nous honorer de sa présence au travers d’une couverture étonnante et lumineuse !

Olivier Schwartz: le dessin

Mais cet album possède, à mes yeux en tout cas, une qualité supplémentaire, et essentielle même ! Puisque Spirou est un héros typiquement belge, bruxellois même de par l’hôtel où il travaille, il lui fallait un profond ancrage de belgitude aussi, et cet ancrage se fait, dans cet album, grâce à une version traduite en bruxellois, une version qu’aucun Belge digne de ce nom ne peut rater !

Joske Maelbeek s’est attelé à la tâche, avec un entrain et une joie communicatifs ! Et pour que personne ne se perde en cours de route, il a ajouté, en fin d’album, un long glossaire qui, à la lecture, se révèle savoureux, lui aussi !

Le patois bruxellois rejoint ainsi la passion (encore elle, oui !…) que Yann a toujours cultivée à l’égard de la langue, des idiomes, des particularités régionales du langage.

Yann: la langue

 Joske Maelbeek: la traduction en bruxellois

 Qu’ajouter d’autre sinon souligner la qualité de la couleur, celle du lettrage également, dû à Philippe Glogowski.

Je parlais plus haut dans cette chronique de fidélité historique. Elle existe aussi dans le dessin, dans la reproduction des objets africains, par exemple. Et vous pourrez en juger par vous-mêmes en vous rendant rue des Minimes, à Bruxelles, à la galerie Mestdagh, spécialisée dans l’art africain, et qui accueille une exposition de plusieurs dessins originaux de cet excellent et réjouissant album !

 

Jacques Schraûwen

Les Aventures de Spirou : Le Maître des Hosties Noires (Spirou Au Kongo Belche) (dessin : Olivier Schwartz – scénario : Yann – traducteur en bruxellois : Joske Maelbeek – couleurs : Laurence Croix – éditeur : Dupuis)

Lien vers la galerie Mestdagh

Foerster : Noir C’Est Noir

Foerster : Noir C’Est Noir

Foerster fait partie de ces dessinateurs dont on reconnaît le graphisme au premier coup d’œil. Et l’intégrale que lui consacre une petite maison d’édition bruxelloise est l’œuvre de passionnés. Un travail nécessaire pour un auteur belge inclassable !

Philippe Foerster a déjà une longue carrière derrière lui, et on peut dire qu’il s’est amusé, pendant des années, à toucher à tous les thèmes qui font la richesse de la bande dessinée. Polar, aventures marines, western, science-fiction ont pris, sous ses crayons, ses noirs et ses blancs, des existences multiples et toujours teintées à la fois d’humour et d’horreur.

Son dessin ne laisse pas indifférent, lui qui aime distordre les réalités, les démesurer, les caricaturer, tout en permettant au lecteur de les reconnaître et, ce faisant, de se reconnaître au travers d’elles.

Tout artiste subit et assimile, dans son travail, bien des influences. Et s’il est évident que, graphiquement, Foerster a aimé énormément des dessinateurs comme Corben, il est tout aussi évident qu’il est parvenu, très rapidement, à se créer son propre style. Il en va de même de ses scénarios. L’influence de Jean Ray est, elle aussi, évidente ! On se retrouve, dans les  » nouvelles en bd  » de Foerster, dans un petit bistrot d’un port anversois, avec un homme qui s’approche et, l’œil malicieux, commence à nous raconter quelques histoires à faire serpenter de longs frissons le long du dos ! Mais Philippe Foerster est un grand lecteur, et de Ray à Vernes, de Pelot à Owen, il a réussi, là aussi, à se créer un style extrêmement personnel. Un style qui oscille, sans cesse, entre le fantastique et l’humour, parvenant ici et là à faire peur, vraiment peur, ici et là à faire sourire, vraiment sourire…

Philippe Foerster: les influences

Il y a souvent chez Philippe Foerster la continuité d’une véritable tradition belge du fantastique, un fantastique qui n’a pas besoin d’artifices démesurés pour atteindre son but, un fantastique qui naît, essentiellement, du quotidien, des habitudes des jours qui passent, du temps qui, inéluctablement, ne peut mener qu’au néant.

De Baillon, chantre du quotidien le plus quotidien, à Prévot, capable de magnifier l’improbable, c’est une certaine forme de belgitude qui se retrouve dans ses livres. Une belgitude mélangée puisque le grotesque de De Coster ou Ensor s’y retrouve aussi !

Une belgitude, surtout, qui débouche également sur un véritable humanisme. Parce que l’horreur finalement, celle qui est le fonds de commerce de Foerster, naît de la description de la différence… La monstruosité des personnages de Philippe Foerster nous ramène à nos propres failles, d’une certaine manière. Et même si c’est avec le sourire, l’horreur et le fantastique à la  » Foerster  » portent à réfléchir à ce qu’est l’humanité, à ce qu’est le fait d’être humain… A ce qu’est la tolérance et l’acceptation de la différence, de toutes les différences.

Philippe Foerster: l’humanisme

 

Philippe Foerster est également présent dans l’actualité autrement qu’avec cette intégrale, puisqu’il a participé au livre consacré aux idées noires de Franquin, paru chez Fluide Glacial. Franquin… Un géant de la bd que Foerster a croisé chez Fluide Glacial et auquel il rend hommage.

Philippe Foerster parle de Franquin

 » Forbidden Zone « , c’est un magasin bruxellois bien connu de tous les amateurs de BD. Ce sont deux passionnés qui, aujourd’hui, se muent en éditeurs pour un ouvrage excellent, tant par sa maquette que par son contenu. Et, croyez-moi, Philippe Foerster méritait, incontestablement, cet album que tout amoureux du neuvième art se doit de posséder…

 

Jacques Schraûwen

Foerster : Noir C’Est Noir (intégrale de ce qui est paru chez Fluide Glacial – tome 1 – éditeur : Forbidden Zone)             

Jean-Luc Vernal : la mort d’un auteur passionné par l’Histoire

Jean-Luc Vernal : la mort d’un auteur passionné par l’Histoire

C’est le 15 janvier dernier que Jean-Luc Vernal est décédé. Journaliste de formation, il a été scénariste pour quelques dessinateurs importants, et le dernier rédacteur en chef du Journal de Tintin.

Le monde de la bande dessinée doit beaucoup, sans aucun doute possible, à ces auteurs qui, souvent oubliés de nos jours, ont participé sans vedettariat à l’évolution de cet art mêlant écriture et graphisme.

Parmi eux, il y eut Jean-Luc Vernal. Passionné par l’histoire, il fut le scénariste de la série Jugurtha, avec deux dessinateurs hors du commun, Hermann, d’abord, Franz ensuite. Mais aussi de Ian Kalédine avec Ferry, ou de Tetfol avec Eric. Des séries mêlant la grande histoire à une imagination fertile mais toujours soucieuse de créer des univers historiquement vraisemblables.

A côté de ça, il fut aussi le scénariste de plusieurs récits exclusivement historiques, eux, dans la continuité de ce qui se faisait déjà dans le journal de Tintin comme dans celui de Spirou (avec l’oncle Paul), des récits didactiques plus que d’aventure.

Et il a touché également au fantastique et à l’humour avec « Brelan de Dames ».

Il fut aussi le rédacteur en chef de la dernière époque de vie du Journal de Tintin, de 1979 à 1988. C’est à cette époque que les personnages créés par Servais, entre autres, ou Chaillet ont pris vie dans les pages de ce magazine.

Discret et talentueux, toujours très précis dans son écriture, qu’il voulait simple sans être simpliste, et, également, grammaticalement et orthographiquement sans défauts, il est de ceux dont la bd peut s’honorer!

C’était, à sa manière, un puriste du neuvième art, travaillant dans la tradition sans pour autant refuser certaines ouvertures vers une bd plus moderne.

C’est, incontestablement, un des grands noms du scénario des années 80 qui vient de rejoindre son ami Franz dans les paradis imaginés de la bd !…

 

Jacques Schraûwen