Santé !

Santé !

Importante augmentation du prix du tabac : le cancer du poumon va devenir inabordable ! Voilà un exemple de l’humour de ce livre, un humour à la fois très noir et très proche, finalement, de ce que nous vivons toutes et tous au quotidien…

 

 

Santé© Pixel Fever Editions

 

Antoine Chereau, dans cet album de « gags » en trois dessins au maximum, s’inspire de ce que l’univers de la Santé est en train de devenir, en France, certes, mais chez nous également, et, plus généralement, un peu partout dans ce monde qu’on dit civilisé et qui est le nôtre…

La gestion de la santé publique, celle du public donc, se devrait d’être ouverte à toutes et à tous et de ne pas être exclusivement dépendante de profit. Le serment d’Hippocrate ne dit rien d’autre, après tout !

Mais voilà, la France, comme les États-Unis, comme la Belgique, comme la grande Bretagne souscrivent d’abord à la rentabilité, et les pressions budgétaires s’accumulent depuis quelques années sur les professionnels de la santé, bien sûr, mais surtout sur ceux qu’on appelle les bénéficiaires de la médecine et qui paient de plus en plus cher pour ces bénéfices de moins en moins opérationnels !

Santé© Pixel Fever Editions

 

Ce n’est pas de la bande dessinée. C’est de l’humour, de l’humour sans concession, de l’humour qui fait sourire plus que rire, et ces sourires sont plus des grimaces que des signes de joie profonde ! parce que le talent de Chereau, comme celui de tous les dessinateurs de presse dignes de ce nom, c’est de réussir à créer, de dessin en dessin, un paysage presque réaliste tout en étant caricatural de ce que nous vivons au quotidien.

Il a aussi le don des phrases « choc » qui atteignent leur but avec à la fois de la puissance et de la finesse.

Ce « Santé ! » est un livre qui se lit vite, qui se relit, duquel on montre, à des amis, à des proches, les dessins qu’on a aimés, qui nous ont amusé…

 

Santé© Pixel Fever Editions

 

On manque cruellement d’humour, de nos jours. Je veux dire d’humour acerbe, d’humour qui ose une voie s’éloignant volontairement de la vulgarité et du gros rire. On tente de nous faire croire que nous sommes libres, libres d’aimer, libres de nous exprimer. Nous sommes surtout libres de nous croire libres…  Les Desproges et Devos, les Claude Serre, capables d’enfoncer les pointes de leurs mots dans les cicatrices de notre société, il n’y en a plus vraiment…

Chereau, certes, n’est pas Serre… Mais il a du talent, incontestablement, et ce « Santé » réussit à nous renvoyer le miroir d’une société que nous laissons, toutes et tous, lentement se déliter…

 

Jacques Schraûwen

Santé ! (auteur : Antoine Chereau – éditeur : Pixel Fever Editions)

Batman : The Dark Prince Charming 1

Batman : The Dark Prince Charming 1

Un super-héros américain aux mains d’un dessinateur européen ! Un mélange de genres pratiquement sans faiblesse ! Et, dans cette chronique, circonstanciée, vous allez pouvoir écouter Enrico Marini, l’auteur à part entière de cet album que TOUS les amoureux de la bd se doivent de lire !

 

 

Batman est un de ces héros dont le monde entier a entendu parler. Né en 1939, dans la suite de la création de Superman, l’homme  » chauve-souris  » se différenciait de son aîné par son manque de super pouvoirs.

Batman, ce fut, dès le départ, un être humain qui garde en lui une faille profonde due à l’assassinat de ses parents lorsqu’il était enfant, et qui va utiliser sa fortune à se créer comme justicier sans peur ni reproches. Un justicier qui, de méchant en méchant, va souvent user de violence sans, cependant, donner la mort à qui que ce soit…

Et le voilà de retour, aujourd’hui, dans une aventure endiablée qui le voit affronter, une fois de plus, le Joker, son ennemi le plus fidèle et le plus cruel.

Tous les ingrédients d’un vrai comics à l’américaine sont présents. De la violence, des méchants hauts en couleurs, de l’action, de l’aventure… Mais il y a aussi l’empreinte profonde d’Enrico Marini, l’auteur européen de cette nouvelle histoire. Un auteur qui fait partie des plus grands dessinateurs réalistes du neuvième art, c’est une évidence. On lui doit entre-autres  » Le Scorpion  » et  » Les Aigles de Rome « .

 

 

Et le voici donc plongé dans l’univers de la bd américaine !… Pour une histoire qui mélange différents récits, comme toujours chez Marini…

Il y a Batman, à qui on annonce qu’il est peut-être le père d’une petite fille… Une petite fille que le Joker kidnappe entre deux cambriolages et quelques meurtres particulièrement sanglants… Et il y a évidemment, surtout même, tous les efforts de Batman pour retrouver cette gamine qui est peut-être sa fille !

Marini aime surprendre ses lecteurs, les obliger, en quelque sorte, à chercher leur propre voie dans le labyrinthe d’un scénario qui peut ressembler à un puzzle. Mais qui reste de bout en bout lisible et passionnant!…

Et c’est sans doute à ce titre-là que ce Batman-ci se révèle véritablement neuf, dans son ton plus que dans son thème, dans sa construction narrative et jusque dans le travail des décors, des mouvements et des couleurs. Marini est un auteur complet, et il s’est amusé à adapter les codes de la bd d’outre-Atlantique à sa façon personnelle de construire un récit.

Enrico Marini: les codes des comics…

 

 

Au-delà de la virtuosité graphique de Marini, au-delà de sa manière presque expressionniste de rendre compte du mouvement, jusque dans ce qu’il peut avoir de plus violent, de plus démesurément violent même, au-delà de sa technique et de la qualité de ses couleurs, élément moteur, souvent, de ses planches, il y a dans ce Batman un nouveau regard sur un être humain pour qui la vengeance, qui a toujours été sa raison de vivre, laisse place à d’autres motivations. On peut presque, face à ce Bruce Wayne-ci, parler d’une quête nouvelle pour ce justicier qui, avec Marini, récupère une part d’humanité qui, reconnaissons-le, lui manque souvent dans les comics traditionnels.

 

 

Le côté européen, donc, de ce nouveau Batman, c’est d’utiliser les codes propres aux comics, pour les simplifier graphiquement tout en donnant plus de poids à la personnalité, ambigüe, des différents personnages.

L’aventure et l’action restent au centre de l’intrigue, mais elles sont menées par des vrais êtres humains!

Et le Joker de Marini, croyez-moi, fera date… Tout comme tous les personnages présents dans cet album, des personnages qui ont une vraie existence, même si cette existence, dans la proximité du Joker, ne peut que s’effacer vite fait bien fait !…

Enrico Marini: les personnages…

 

 

Je n’ai jamais été fan des comics américains… sauf du Surfer d’Argent… Mais ici, avec ce nouveau Batman, me voici tout prêt à changer d’avis !… C’est vraiment un livre duquel on attend la suite, prévue pour le printemps prochain, avec une vraie impatience ! Et le dessin de Marini est aussi démesuré que l’est son personnage !

Plongez-vous dans le nouvel univers de Batman, et redécouvrez un super-héros de plus en plus attachant ! Vous ne le regretterez pas!…

 

 

Jacques Schraûwen

Batman : The Dark Prince Charming 1 (auteur: Enrico Marini – éditeurs: DC et Dargaud)

Lemmings : 1. L’aurore boréale noire

Lemmings : 1. L’aurore boréale noire

Crisse au scénario, Fred Besson au dessin, à la couleur et à l’interview : un duo gagnant pour de l’heroïc fantasy souriante, mouvementée, attendrissante…

 

Il y a les Trolls, vivant dans les montagnes… Il y a les humains, les Vikings, vivant dans un petit village tranquille… Il y a, bien cachés, les Lemmings, une communauté de petits rongeurs qui vit dans le confort et l’aisance grâce à tout ce qu’ils dérobent, en secret, aux humains qui les ignorent.

Et puis, il y a, en mer, une aurore boréale noire, qui présage des heures difficiles pour les Vikings, il y a aussi le rêve d’un Lemming qui voit les Vikings et les Trolls se faire une guerre horrible.

A partir de là, l’histoire peut commencer, une histoire de guerre à venir, de quête magique pour trouver le moyen de contrer les Trolls, de lutte aussi pour une cohabitation sereine.

Nous sommes, comme toujours avec Crisse, en plein dans de l’heroïc fantasy. Mais Crisse, dès ses débuts, ne s’est jamais contenté de suivre des codes trop précis, et a toujours voulu faire de ses récits des histoires à taille humaine, des histoires dans lesquelles les personnages ont une existence réelle, profonde, essentielle. Et c’est bien le cas, encore, dans cet album dont le dessinateur, Fred Besson, assure la construction, la mise en scène.

Fred Besson: le scénario, les personnages

 

 

Je n’ai jamais, j’en fais l’aveu, été très fan de ce genre de littérature ou de bande dessinée, un genre dans lequel les péripéties m’ont toujours semblé bien trop attendues, un genre qui est également souvent pléthorique de par la mode qui en fait un objet de consommation rapide…

Cela dit, Crisse n’a jamais été un suiveur de modes, loin s’en faut. Il a même été un des premiers à pénétrer de plain pied dans des univers qui, certes, font preuve d’une imagination débordante, mais qui, pour être plausibles, se doivent aussi de garder des ponts avec le monde réel qui est le nôtre. Et j’ai aimé lire, par exemple, sa série Nahomi, ou Kookaburra.

Ici, il laisse la place au dessin à son complice depuis des années, Fred Besson. Et ce dernier, plus pragmatique peut-être que Crisse, réussit, par la clarté de son dessin, à rendre encore plus lisible l’histoire imaginée, rêvée, écrite par son scénariste. Une histoire dans laquelle, comme souvent chez Crisse, se mêlent mille symbolismes, mille mythologies…

A partir d’ingrédients connus, comme les animaux humanisés, la présence de sages philosophes, la puissance de la violence, l’héroïsme humain souvent inutile, la recherche initiatique d’une espèce de trésor, Besson met en scène, comme un vrai réalisateur de cinéma, une belle fable qui parle de pouvoir et d’amour, et de leurs sempiternelles confrontations.

Fred Besson: la lisibilité

 

 

Cet album, premier d’une série dont, j’en suis certain, les promesses qualitatives seront toutes tenues, est passionnant, et extrêmement agréable à l’œil. Le graphisme de Besson, tout en courbes, tout en sourires aussi, utilise l’art de la caricature pour les humains, mais avec une charge émotionnelle évidente, et l’art animalier pour nous plonger, lecteurs attendris, dans le monde des Lemmings, au plus près de leurs gestuelles.

Avec peu d’effets spéciaux, ce qui le différencie également de bien d’autres dessinateurs usant et abusant de l’heroïc fantasy, Besson soigne tout particulièrement ses décors, les physionomies de tous ses personnages, sans exception! Et son sens de la couleur, aux lumières froides comme l’hiver, mais aux clairs obscurs s’ouvrant sur des chaleurs conviviales, cet art de la colorisation fait vraiment merveille dans cet album…

Fred Besson: le dessin

 

Incontestablement, cette série est faite pour tous les publics… Il n’y a pas que Lanfeust pour plaire à tout un chacun (heureusement…), et Crisse et Besson parviennent à réinventer l’art de la fable, à leur manière, pour nous livrer une série souriante, sereinement passionnante. A faire lire donc à de jeunes lecteurs, à des lecteurs moins jeunes, à tous ceux que des univers totalement inventés et pourtant tellement  » possibles  » attirent…

Avec Crisse et Besson, l’imagination est au pouvoir, et c’est très bien ainsi !

 

Jacques Schraûwen

Lemmings : 1. L’aurore boréale noire (dessin et couleur : Fred Besson – scénario : Crisse – éditeur : Kennes)

La Galerie des Gaffes

La Galerie des Gaffes

60 ans, 60 dessinateurs : un hommage à Gaston, le plus humain et le plus anti-conventionnel

des personnages de bande dessinée !

 

Galerie des gaffes©Dupuis

 

L’idée de cet hommage ne manque pas d’ambition : montrer la preuve par le dessin, que le personnage de Gaston est et reste la véritable icône de la bande dessinée humoristique se refusant à la facilité.

Il est vrai que ce gaffeur impénitent, au fil des années, s’est résolument ancré dans le monde où il évoluait, avec ses problèmes, ses lâchetés, ses questions parfois existentielles !… De gag-man présent dans les pages du magazine Spirou, il en est vite devenu le symbole, en effet, de par son impertinence gentille, de par ses inventions inimaginables, de par son sens aigu de la dérision, de par son regard aiguisé sur les dérives d’une société de plus en plus déshumanisante !

Galerie de gaffes©Dupuis

 

Oui, Gaston méritait un gâteau de gags nouveaux pour ses soixante ans, c’est évident !

Cela dit, lorsqu’il s’agit de donner une sorte de carte blanche à autant de dessinateurs différents, il faut reconnaître que la qualité de leurs contributions n’est pas toujours à la hauteur de ce qu’on peut en espérer. Et il est vrai que, parmi les soixante auteurs présents de cet album, certains me paraissent ne pas être du tout à leur place dans l’univers de Gaston, même s’ils revendiquent  leur filiation avec cet anti-héros somptueux !

Bien sûr, il s’agit de goûts personnels, mais je me dois d’avouer que la présence de dessinateurs comme Toulmé, Tebo, Parme, Trondheim, Bourhis me semble inutiles, tant leurs univers, graphiques et intellectuels, n’ont strictement rien à voir avec celui de Franquin.

Mais ce n’est que mon avis…

 

Galerie de gaffes©Dupuis

 

… et c’est aussi la réalité de ces albums collectifs, que de montrer un large panorama de talents différents, tous participants, à leur manière, à l’histoire de la bande dessinée contemporaine.

Cela dit, si cinq auteurs sur soixante ne me plaisent vraiment pas dans cet hommage, ce n’est qu’une minuscule minorité !

Et j’ai été souvent surpris, au fil des  pages, par la richesse de tel ou tel dessinateur, richesse de dessin, richesse de scénario aussi. Surpris, ou conforté dans le respect que je porte à quelques dessinateurs qui m’ont toujours apporté, ce lecture en lecture, des grands moments de plaisir…

Je pense à Frank Pé… A l’étonnant Delaf, aussi, dont la planche aurait pu être dessinée et imaginée par Franquin.

Et puis, Il y a Dodier, Buche, Thibaudier et Chamblain, Bouzart, Götting, Blutch, Terreur Graphique, Bertschy, Jousselin… Autant d’artistes qui, en un éclectisme plus que souriant, parviennent à montrer, au travers de leur propre talent, toute la poésie et toute la folie bienfaisante de Gaston !

 

Galerie de gaffes©Dupuis

 

Au total, donc un excellent album que cette « Galerie des Gaffes » !

Et, en refermant ce livre, je pense qu’on ne peut avoir qu’une seule envie : aller rechercher, dans sa bibliothèque, les « Gaston » originels, et oublier toutes les technologies modernes et superfétatoires pour se lancer dans de grands et essentiels éclats de rire !

 

Jacques Schraûwen

La Galerie des Gaffes (60 auteurs – éditeur : Dupuis)

Jack Cool 1966 : Quelques Jours Avant Jésus-Gris…

Jack Cool 1966 : Quelques Jours Avant Jésus-Gris…

1966… Un homme, de retour de guerre, quitte tout, femme, enfant, travail. Il disparaît, totalement, et son épouse engage un détective privé pour le retrouver. A partir de là, c’est dans une Amérique profonde et mouvementée que les auteurs de ce premier album nous entraînent.

 

 

Ce détective, Jack Cool, ne ressemble pas vraiment à ce qu’on connaît de ce métier au travers de la littérature et du cinéma. Il n’est pas désabusé, il n’est pas paumé, il est plutôt  » ailleurs « . Mais actif, à sa manière, sans se presser… Et c’est ainsi qu’il retrouve la trace du disparu, dans une communauté hippie où le LSD est plus qu’une habitude, une vraie religion, un disparu qui a pris le sobriquet de Jésus-Gris.

En même temps, Jack Cool mène une autre enquête, à la recherche de la fille d’une actrice célèbre, une enquête qui va le conduire dans l’entourage d’une espèce de guignol qui se prend, et se fait prendre surtout pour une sorte d’adepte de Satan…

Les codes habituels des romans noirs américains des années 60 et 70, ceux de Carter Brown, de Kaminsky, de Hadley Chase, sont donc bien présents dans cet album. Mais pour Jack Manini, le scénariste, par ailleurs dessinateur lui-même, de  » Necromancy  » entre autres, ces codes ne pouvaient qu’être triturés, distordus, pour correspondre à ce qu’il voulait : montrer une certaine Amérique, en une époque bien précise, celle des hippies, celle de la nécessité ressentie par la jeunesse d’oublier la guerre du Vietnam, de se plonger dans une autre existence, une existence de liberté nourrie de trips lumineux comme d’improbables arcs-en-ciel.

Et pour ce faire, Manini et son complice au dessin Olivier Mangin s’amusent de page en page, d’une part à être fidèles, certes, à ce pays et à cette époque dans lesquels ils s’immergent en même temps que leurs lecteurs, mais d’autre part à perdre ces lecteurs dans des récits parallèles qui finissent par converger vers un même horizon, le tout à force de faux-semblants de toutes sortes… Le premier de ces faux-semblants narratifs et graphiques étant déjà le titre et la couverture de cette série, qui nous font croire à un  héros bien précis, alors que, finalement, il n’en est rien !…

Olivier Mangin: le portrait d’une Amérique

 

Olivier Mangin: les faux-semblants

 

 

Par contre, ce qui est une réalité, dans cet album, c’est la façon dont le dessinateur, Olivier Mangin, a décidé d’aborder l’univers imaginé par Jack Manini. Son style oscille entre le réalisme et la caricature, entre la description et l’introspection onirique, entre la réalité et le délire sous acide.

Cette technique narrative accompagne à la perfection un scénario qui entre de plain-pied dans ce monde américain où la drogue et la jeunesse cherchaient à inventer des mondes meilleurs, dont on sait qu’ils n’ont jamais vraiment pris vie.

Une autre des caractéristiques de ce dessinateur, c’est de s’inspirer, tout au long de ses dessins, d’une construction cinématographique assez typique de ce que le cinéma des années 70 nous montrait : des plans séquence, des perspectives à peine accentuées, des scènes rêvées ou délirées incorporés au fil du récit. Incontestablement, cet album nous immerge, oui, dans une époque révolue, celle où se mêlaient drogue et religion, libertés désirées et gourous arnaqueurs, sectes et sexe, cinéma et promotions canapés… Rien de bien neuf sous le soleil, finalement…

Olivier Mangin: un récit par séquences

 

 

Les références du dessin d’Olivier Mangin sont nombreuses, vous l’aurez compris. La franco-belge, bien sûr, mais aussi le manga… et, de ci de là, les comics américains et le cinéma…

Des références que la couleur de Yoann Guillé accompagne en rendant hommage, elle aussi, à un septième art qui osait tout, tant au niveau des ambiances que du récit…

Olivier Mangin: la couleur

Ce livre est un faux polar qui, lentement devient une vraie enquête policière à la manière des romans noirs américains. C’est un livre dans lequel plusieurs histoires se mélangent, d’abord de loin puis de plus en plus intimement… C’est un livre sur les déchirures de quelques personnages, leurs failles, mais aussi et surtout les déchirements et les folies de toute une époque bien précise, celle des années 60/70…

C’est un livre plus qu’agréable à lire, et dont on se demande déjà comment les auteurs en construiront la suite…

A découvrir, donc, sans modération…

 

Jacques Schraûwen

Jack Cool 1966 : Quelques Jours Avant Jésus-Gris… (dessin : Olivier Mangin – scénario : Jack Manini – couleur : Yoann Guillé – éditeur : Bamboo/GrandAngle)

Murena : chapitre dixième – Le Banquet

Murena : chapitre dixième – Le Banquet

Un nouveau dessinateur, que vous allez pouvoir écouter dans cette chronique, pour une série mythique de la bande dessinée! La renaissance d’un héros fragile et terriblement humain, dans une époque qui manquait d’humanité… Un album à ne pas rater, croyez-moi!

 

Philippe Delaby, le créateur de cette série qui nous conduit jusqu’au temps de Néron, est un artiste qui a, en quelques années à peine, révolutionné la façon dont on peut, en dessinant, raconter la grande Histoire. Avec  Murena, il a coupé les ponts, en quelque sorte, avec la manière respectueuse, quelque peu rigide aussi, manichéenne souvent, de ses prédécesseurs. On était loin, et tout de suite, avec lui de Jacques Martin et de ses suiveurs. Et le style qu’il a plus que contribué à créer a fait bien des émules parmi ses collègues.

C’est dire que, pour le remplacer après sa mort, le scénariste Jean Dufaux aurait pu faire le  choix d’un artiste capable de se fondre dans l’univers de Delaby, et de continuer la série exactement dans la même veine graphique.

Mais telle n’a pas été sa volonté, fort heureusement ! Et le  dessinateur qu’il a choisi pour continuer l’œuvre admirable entamée avec Delaby ne se contente pas du tout de reproduire le style de son prédécesseur.

Le pari était osé. Et il se révèle réussi !

Theo respecte, certes, l’ambiance graphique de Delaby. Mais la mise-en-scène qu’il pratique, graphiquement, est fort différente… Il y a bien évidemment une continuité immédiatement visible dans les visages, même si celui de Murena se découvre quelque peu différent. Moins sûr de lui, peut-être… Et c’est surtout dans les décors, dans les plans d’ensemble que Theo fait preuve de personnalité.

Il prend la suite de Delaby, il ne le remplace pas…. Et dans cet épisode, le symbolisme est omniprésent. Murena n’est plus que l’ombre de lui-même… Ses retrouvailles amicales avec Néron ne peuvent que déboucher sur sa déchéance, une déchéance physique, d’abord, une déchéance morale, ensuite, une déchéance de la mémoire, aussi…

Cet album qui, pourtant, s’inscrit dans la suite des épisodes précédents, ressemble  terriblement à une nouvelle série naissante ! C’est bien de renaissance, qu’il s’agit, mais d’une renaissance dans laquelle Jean Dufaux voit le disparu, Delaby, laisser lentement la place à une autre complicité…

 

Avec Dufaux, il a toujours été hors de question de créer des personnages monolithiques.

C’est vrai pour Murena qui, dans ce  » Banquet « , reste séduisant, très charnel, très charismatique, mais qui, en même temps, montre en pleine lumière ses failles… Un peu comme si le corps continuait à éblouir, alors que l’esprit, lui, est en quête de lui-même.

Theo, par son dessin, accompagne à  la perfection cette volonté du scénariste de montrer des êtres vivants, avec leurs contradictions, avec leurs passés multiples, avec  leurs déchirures, donc leurs qualités et leurs défauts.

C’est flagrant, par exemple, dans l’approche que les auteurs ont du personnage de Néron. Il reste, dictateur impitoyable et cruel, l’enfant trahi qu’il a été… Et le dessin de Theo, à ce titre, est d’une superbe expressivité. On pourrait presque dire qu’il dessine les expressions au-delà de l’apparence. Dans le rendu des regards de Néron s’expriment, de manière immobile, les gestes qu’il va oser et imposer…

C’est que, pour parler de la grande Histoire, pour que le récit touche les lecteurs d’aujourd’hui, il faut dépasser la seule anecdote. Et dans ce livre où on parle de drogue, de mysticisme, donc de religions, de complots, de lâchetés et de trahisons, de vanité conduisant au pouvoir, de pouvoir menant à la lassitude, nombreuses sont les références au monde qui est le nôtre, celui d’un vingt-et-unième siècle dans lequel les dictatures de la folie se multiplient.

Pour rendre ces références présentes sans qu’elles soient pesantes, Theo a choisi, avec un indéniable talent, de privilégier, dans chaque page, l’émotion. C’est elle qui jaillit des mots de Dufaux pour prendre vie au long d’un graphisme lumineux et proche, tout le temps, de l’humain et de ses réalités physiques et morales.

Theo: les personnages

Theo: l’émotion

 

 

Parler de ce Murena-ci sans aborder la présence essentielle de  la couleur me semble impossible.

Là aussi, il y a rupture, mais une rupture tranquille et nécessaire, avec les albums précédents. Bien sûr, cette couleur, due aux pinceaux de Lorenzo Pieri, participe pleinement à l’ambiance voulue par Dufaux et Theo.

Bien sûr aussi, le  coloriste utilise l’art du clair-obscur pour donner de la profondeur aux dessins qui montrent des scènes aux nombreux personnages.

Mais il y a dans la palette de ce coloriste un plaisir, presque abstrait parfois, à privilégier le trait volontaire de Theo tout en y ajoutant des lumières qui en accentuent à la fois les mouvements et les expressions.

Cet album, en fait, est une belle histoire d’amitié entre trois artistes qui, à aucun moment, n’ont oublié dans leur travail l’exceptionnel Delaby mais parviennent, en même temps, à se faire complices d’une renaissance parfaitement aboutie !

Theo: la couleur

Murena : une série mythique, je le disais… Une série dans laquelle Philippe Delaby sera toujours présent… Une série, surtout, qui revit, rejaillit, et se dévoile, dans cet épisode, d’une humanité symbolique absolument exceptionnelle.

Ce   » Banquet  » réinvente un peu Murena, et d’ores et déjà on ne peut qu’en attendre la suite…

 

Jacques Schraûwen

Murena : chapitre dixième – Le Banquet (dessin : Theo – scénario : Jean Dufaux – couleurs : Lorenzo Pieri – éditeur : Dargaud)

 

Theo: prendre la suite de Delaby
Theo: une renaissance
Le Joueur D’Echecs (Stefan Zweig)

Le Joueur D’Echecs (Stefan Zweig)

Un album bd superbe, une interview de l’auteur…  Au départ d’un livre désespéré de Stefan Zweig, voici une adaptation dessinée particulièrement riche, et dont le graphisme se fait miroir artistique du récit de l’écrivain. Dans cette chronique, écoutez l’auteur de ce livre original et intelligent…

 

Adapter un texte aussi puissant et désespérant que celui de Stefan Zweig tient du pari. Comment réussir, en effet, à restituer graphiquement une langue qui parvient, comme celle de Zweig, à pénétrer au plus profond de l’âme humaine, au plus profond de ses angoisses, au plus profond de ses absences, de ses violences, de ses lâchetés ?

 » Le jouer d’échecs « , ce n’est pas un livre de lutte, de résistance… C’est un livre de mémoire, et de volonté de survie, d’abord, avant tout… Le choix du jeu d’échecs est, bien évidemment, d’un symbolisme particulièrement parlant, puisque c’est de jeu dont on parle, celui de la vie et de la mort, puisque c’est aussi d’échecs pluriels qu’il s’agit, dans ce récit qui nous montre, au cours d’une croisière en 1942, la compétition entre deux êtres autour d’un échiquier. L’un fuit le nazisme, l’autre est un champion reconnu et adulé.

L’adaptation qu’en fait aujourd’hui David Sala est exceptionnelle à bien des points de vue.

Pour entrer dans l’univers des personnages de Zweig, il a fait le choix délibéré de l’art pictural, et c’est en faisant de son dessin un hommage évident à ce que les nazis appelaient l’art dégénéré, de Klimt à Matisse, qu’il explique, sans discours, sans ostentation, ce que fut la dictature de la violence et de la brutalité dans un monde où l’art, pourtant, occupait une place humainement essentielle.

Et c’est grâce à ce côté pictural, incontestablement, que cette bande dessinée prend toute sa force, tout sa puissance. Si la construction narrative de David Sala est linéaire, claire, construite un peu à force de séquences cinématographiques, ce qui apporte de l’émotion à un récit par ailleurs très froid, très glacial même, ce sont les couleurs qui lui apportent une charge émotionnelle et profondément humaniste… Et ce au-delà de la simple relation d’une tranche de vie…

David Sala: l’adaptation
David Sala: la couleur

 

Le livre de Stefan Zweig nous parle de lui, de torture, de répression et, finalement, de fuite. La fuite d’un homme qui ne veut pas, qui ne peut plus vivre dans un monde qu’il ne reconnaît pas. Une fuite dont on sait qu’historiquement elle s’est terminée par le suicide de l’écrivain.

Tous ces éléments sont bien présents dans cette bd: l’enfermement, la torture morale et mentale, la déliquescence d’un univers dans lequel la tolérance ne peut avoir sa place…

Ils le sont dans la description presque minutieuse du combat qui oppose cet intellectuel en fuite de tout ce qu’il a été et un champion international à l’intelligence très limitée. Minutieuse, oui, mais uniquement dans le ressenti de la tension, des émotions, des sensations de tout un chacun, et, surtout peut-être, de tous ceux qui assistent à ce combat. Un combat qui ne peut que déboucher sur la folie, une folie qui fut salvatrice pour le héros de ce livre mais qui lui devient destructrice, un peu comme si combattre la brutalité ne pouvait que déboucher sur l’abandon et la démission. C’est, aussi, avec l’avènement du nazisme, ce que l’Histoire a montré…

 

David Sala: le combat…
 David Sala: la folie

 

Stefan Zweig a toujours aimé que son écriture, pour simple et parfaitement lisible qu’elle soit, puisse se lire et se découvrir à plusieurs niveaux de réflexion.

L’intelligence et le talent de David Sala, c’est d’avoir voulu que son adaptation soit aussi un jeu graphique et symbolique. Il n’y a pas une page, dans cet album, où l’échiquier est absent… Que ce soit dans les décors, dans la construction découpée de la page, dans les vêtements même, tout est cases dans ce livre, comme pour nous montrer que le héros est définitivement, depuis son enfermement par les nazis, enfermé dans la case d’un jeu cruel dont il ne pourra jamais sortir…

Tous les symbolismes de Zweig, ainsi, se trouvent comme magnifiés par ceux que le dessin de Sala nous offre !

David Sala: symbolisme, dessin, découpage…

 

L’Histoire bégaye… Une civilisation qui oublie son passé, ou cherche à en donner une autre image, est condamnée à le revivre, disait à peu près Churchill…

Devrons-nous revivre un jour ces années noires pendant lesquelles l’art fut considéré comme dégénéré, pendant lesquelles le pouvoir brisait les intelligences qui n’étaient pas celles qu’il imposait, pendant lesquelles l’humain ne se nourrissait plus d’humanisme?

Devrons-nous encore oublier ce qu’est la culture, au sens large du terme, et de ses mille possibles, pour nous fondre dans un univers qui veut gommer ce mot de notre passé, de notre civilisation, de notre identité ?…

Le constat que dresse Zweig est sans appel, il est un constat de désespoir, d’inanité aussi de toute lutte.

Le constat que nous dresse Sala est sombre, lui aussi… Sombre, mais pas désespéré… D’abord grâce à sa manière d’apporter de la lumière dans son récit, par ses décors, par la façon qu’il a d’intégrer une action dans un environnement totalement et exclusivement pictural, artistique. Par la manière, aussi, qu’il a de terminer son adaptation par une porte ouverte, en quelque sorte, par une possibilité de plusieurs horizons aux voyages de ses personnages…

Il y a dans ce livre d’évidents rapports entre hier et aujourd’hui. Et Zweig, aujourd’hui comme dans les années 40, nous pousse à sa manière, littéraire, à la manière de Sala, graphique, à la vigilance !

 

David Sala: d’hier à aujourd’hui

Ce qui est formidable dans le neuvième art, c’est que c’est un art et que, comme tout art, il cultive la surprise, souvent…

La bd est éclectique… Et j’aime être surpris, je l’avoue, comme je l’ai été par ce  » Joueur d’échecs « … Surpris, séduit, et admiratif de l’univers créé par Sala, admiratif aussi par le contenu de son récit dessiné et peint.

Ce  » Joueur d’échecs  » est une totale réussite, totalement artistique…

Un livre important, à lire, et à faire lire !

 

Jacques Schraûwen

Le Joueur D’Echecs (auteur : David Sala – d’après Stefan Zweig – éditeur : Casterman)